Ich hätte zuallererst eine Bitte an Sie. Würden Sie bitte
diese Stühle hier auch besetzen? Weil ich gucke sonst so
auf leere Plätze. Und ich fände es schade,
wenn sie müssen sich auch nicht verstecken,
wenn es ihnen langweilig wird oder wenn sie früher gehen müssen,
können sie, auch wenn sie vorne sitzen,
das gerne tun.
Da habe ich überhaupt kein Problem damit. Setzen Sie sich
doch einfach ein bisschen näher, weil wenn ich meine Brille abnehme,
kann ich schon die hinteren nicht mehr sehen.
Und das ist dann ein bisschen nicht so gut.
Ja, das ist auch wichtig für eine Arbeitsatmosphäre.
Kommen Sie ruhig vor,
müssen Sie sich nicht verstecken
Gut, wie alle Xander Henschel schon ganz richtig sagte,
bin ich hier, um in meinen Lehransatz vorzustellen,
der sich aus meiner künstlerischen Praxis, das heißt Bildhauerei,
die ich in den letzten 20 Jahren betrieben habe,
ableitet und aus der aus ganz gut auch erklären lässt.
Ich entwickle Installationen und Interventionen und habe Erfahrungen gesammelt mit den unterschiedlichsten Räumen,
die ich wiederum in meiner künstlerischen Arbeit dann transformiere.
Meine Lehre liegt auch dieser künstlerische Haltung zugrunde
Und die Arbeitstechniken und Prinzipien aus der bildenden Kunst anwendet im Bereich der Kunstvermittlung
und eben auch wirksam werden lässt in der pädagogischen Arbeit.
Da Kunstvermittlung ebenfalls in Räumen stattfindet,
beziehungsweise im eigenen Raum etabliert, macht es Sinn,
Methoden der Raumkunst, auch im Bereich der Kunstvermittlung anzuwenden.
Methode der Kunst wäre dann auch Methode der Lehre oder Methode
von Lehrer. Räume zu Kneten klingt ja vielleicht rätselhaft.
Sie haben sich vielleicht gewundert,
was ich damit meine
Gemeint ist, dass sich etwas formt,
dass sich etwas verändert und dass dann dadurch auch Erkenntnisräume entstehen.
Und sie merken hier, ich habe ja auch was mitgebracht,
wo wir dran arbeiten sollten, heute gemeinsam.
Und diesen schweren Klos werde ich nun herumreichen. Und ich finde es prima,
wenn sie wollen, können sie sich davon ein Stück nehmen.
Kann man sich hier einfach so abnehmen und kann dann,
und da würde ich sie auch bitten,
während ich spreche, können sie etwas kneten.
Wir brauchen das dann noch später, können sich auch ganz
auf Sneapen konzentrieren. Sie können sich auch hoffentlich konzentrieren.
Toll wäre natürlich, wenn Kopf und Hand auch zusammengingen.
Aber kneten Sie, beschäftigen Sie sich, wie Sie wollen damit?
Wir brauchen das eben noch. Und ich werde dann an diesem Modell,
ich werde Modellhaft an dieser Knete,
vielleicht mit Ihnen dann zum Abschluss in der Diskussion was zusammentragen,
was Sie im Vortrag dann auch gehört haben.
Also diese sechs Kilo nehmen jetzt quasi Ihren Weg,
ich versuche jetzt mal noch so ein bisschen zusammen.
So, und reichen Sie es durch und nehmen Sie sich
ein Stück, je nachdem,
was Sie denken
Dass sie brauchen. Gut, mein Vortrag ist folgendermaßen gegliedert.
Ich werde Ihnen nun zunächst an der Tafel ein,
die Eckpunkte meines Vermittlungsansatzes notieren, exzemplifizieren,
ohne eine ausführen, allerdings ohne Beispiele.
Im zweiten Teil werde ich dann drei Beispiele auf die Nähe eingehen,
aus meiner Arbeit mit Studierenden und dann im dritten Teil werden dann diese Punkte nochmal anhang,
also mit diesem Hintergrund und der Bilder auch nochmal abgeglichen und ergänzt und verfeinert.
Das ist so die Struktur und dann werden wir in den anderen Teil übergehen.
Gut, zum Kneten braucht man den Körper.
Sehen und ich bringen unsere Körper als aktive Teile der Kommunikationssituation
mit ein. Sie treten den Mitspielern,
das wären dann Teilnehmerinnen oder Publikum und dem Gegenstand der Untersuchung,
also auch körperlich gegenüber
Sie durchwalken etwas. Im Kunstvermittlungsprozess durchweiten sie die Kunst und
die Vermittlungssituation. Es ist richtige Arbeit, die Kraft einfordert.
Hand- und Kopfarbeit gehen zusammen. Der zweite Aspekt ist die Prozessorientierung
. Während sie kneten, versuche ich etwas zu vermitteln.
Beide sind Prozesse, in deren Verlauf sich etwas formt,
von dem wir noch nicht wissen, was herauskommt.
Wir setzen nicht an dem Ende an, dort,
wo die Dinge als fertig, fest und getrennt voneinander erscheinen oder wo wir glauben,
etwas zu wissen. Genau. Nun habe ich gerade gehört,
das sind ja auch Kunsterzieher unter Ihnen, Pädagogen und Sie werden sagen,
naja, jede Stunde ist doch ein Verlauf, ist ein Prozess.
Das ist doch überhaupt nichts Neues. Aber wichtig ist mir,
wenn ich Prozessorientierung sage,
dass der Fokus genau auf diese Entwicklung in der Zeit gelegt wird,
dass das das Wichtigste ist, dass sich etwas entwickelt,
ihn erzeugt.
Die Prozessorientierung ist auch insbesondere wichtig in der Lehrhaltung.
Das bedeutet, ich habe als Vermittlerin zwar eine Richtungsidee,
aber innerhalb der Situation muss ich locker bleiben.
Ich muss hin und her schwingen können, je nachdem,
was passiert, reagiere ich, weich bleiben.
Das gehört auch dazu. Dieses Setzen und Verwerfen lassen und
loslassen ist ein weiterer Modus der Kunst.
Modus der Kunst, von dem ich eben sprach.
Der dritte Punkt ist die Orientierung am Gegenstand
1, 2, 3, 4 1, 2,
3, 4 1, 2, 3, 4 1,
4 1, 2, 3, 4 1,
2, 3, 4 1, 2, 3,
4 1, 2, 3, 4 1,
2, 3, 4 1, 2, 3,
4 1, 2, 3, 4 1,
2, 3, 4 1, 2, 3,
4 2,
das ist de facto gemeint.
Dass das Gegenüber, das Material, die Kunst ist ein
Stück weit vor, wie wir im Vermittlungsprozess vorgehen müssen.
Haben wir es mit Architektur zu tun, mit Musik,
geht es um Fahrterfahrungen oder Gesellschaftskritik.
Immer muss die Kunstvermittlung sich an ihrem Gegenstand orientieren.
Und auch eben ihre Methoden am Gegenstand orientieren.
Also Methode Und Werk, wie immer, ob materiell oder inmateriell
sind, eng verquickt. Aber das ist nicht alles.
In meinem Titel heißt es ja, Kunstvermittlung als plastischer Prozess.
Und plastischer Prozess bedeutet, dass wir einen räumlichen Phänomen arbeiten.
Wenn Sie jetzt die Knete betrachten, dann ist es erstmal,
sagen wir mal, ein Level dieser Raumarbeit.
Weil da geht es um greifbar, dreidimensionales, was man verändert.
Das hat Volumen. Und das ist mit Sicherheit
eben auch eine Ebene
Die wichtig ist, so kann man zum Beispiel Vermittlungsprozesse ja ungemein beeinflussen,
wenn man den Raum wechselt oder wenn man Tische anders anordnet oder Stühle verrückt,
also quasi in diese Architektur schon etwas tut,
in dem Greif baden, dreidimensionalen Raum,
in dem wir uns befinden, das wissen Sie erst recht,
wenn Sie schon Schulerfahrung haben.
Aber diese Ebene ist nur eine Ebene des Raumbegreifens.
Kunstvermittlung als Raumarbeit meint noch mehr. Am Anfang ist die Kunst,
das haben wir schon gesagt. Aber was noch dazukommen muss,
meinem Ansatz, nach, ist eben der Kontext. Das heißt,
Kunst ist nur Kunst durch ihren Kontext und deshalb gehört für mich dazu,
dass im Grunde der Kontext auch mitreflektiert werden muss,
beziehungsweise geknetet, verändert werden kann und sollte.
Also der Fokus auf den spezifischen Kontext, in der wir
den Gegenstand wahrnehmen können bzw. der vom Gegenstand geschaffen wird.
Die anderen Ebenen des Raumbegreifens, von dem ich eben sprach,
können Funktionszusammenhänge, Geschichte, Machtverhältnisse, Konditionierung, die Art der Kunstgeschichtsschreibung sein.
Sie alle und noch viel mehr, bilden den Kontext einer
künstlerischen Arbeit und sind als verschiedene sich ergänzende Raumlevel zu begreifen.
Also wir haben hier also, ich schreibe jetzt hier auch
einfach mal Raumarbeit, beziehungsweise genau, Orientierung an verschiedenen Räumen.
Wir arbeiten also von der Kunst und dem spezifischen Raum
aus, der zum Material wird.
Wir arbeiten an und mit den Räumen der Vermittlungssituation,
untersuchen Sie, erzeugen neue Räume und transformieren Sie,
spielen mit den Präsentationskontexten,
beachten die Atmosphäre
Kunstvermittlung als plastischer Prozess. Da dürfen wir aber eine Sache
auch nicht vergessen. Vielleicht ist Ihnen der Begriff plastischer Prozess von
Jesu Loseph Boys schon bekannt oder müsste Ihnen bekannt sein.
Und da geht es ja entgegen eines ganz konventionellen Verständnisses von plastischen Prozess weit.
Also geht es weit darüber hinaus und bezieht eben auch immaterielles mit ein,
was eben durch Prozesse des Formens sich sich verändert.
Er selber sagt, wahrnehmend denken Handeln bestimmen den plastischen Prozess
und dann geht es über das Chaos zur Form.
Innerhalb seines erweiterten Kunstbegriffs. Also Kunstvermittlung ist auch ein plastischer Prozess,
weil dort ein Vereinvermögen, das andere Port während bewegt,
beeinflusst, fördert oder auch hemmt.
Alles, was ich tue, drückt sich ein.
Die Werkstoffe dieses plastischen Arbeitens sind unser Denken und Miteinander sprechen,
das Hören, das Zuhören.
Wir bewegen Ideen und damit andere Menschen. Also wenn wir
sehr weit das anwenden würden, könnten wir auch sagen,
möglicherweise gelingt es heute an diesem Abend,
hier etwas in diesem Raum zu verändern und möglicherweise könnten wir
es dann auch plastischen Prozess nennen
Also Kunstvermittlung ist bildendes Tun, ein kollaborativer plastischer Prozess,
das Schleifensformens. Wüsste ich das auch noch?
Nee. Lassen wir einfach mal hier die Begriffe.
Ja, jetzt geht es aber zu den Beispielen.
Und dann wird das alles vielleicht ein bisschen konkreter.
Obala. Ich fange mit Mofo an.
Mofo ist künstlerische Forschung im Museum
Ich habe mit Studierenden in unterschiedlichen Häusern gearbeitet, die Gegenwartskunst ausstellen.
Wir gingen davon aus, dass kulturelle Institutionen Handlungsräume sind,
die das Verhalten von Betrachtern teilnehmen,
Akteuren prägen und von ihnen geprägt werden.
In der Veranstaltung galt es dieses Wechselspiel auf verschiedenen Ebenen zu analysieren,
neuralgische Punkte zu benennen und dort forschend und künstlerisch
zu intervenieren
Ist das in Sprengelmuseum oder im Hallenbad? Wird man sich fragen und
es vielleicht auch nicht gleich sehen auf den ersten Blick?
Die Studierenden haben tatsächlich das Sprengelmuseum zum Wellness-Center gemacht, beziehungsweise als Wellness-Center genutzt.
Und in der veränderten Kleidung auch die Werke ganz anders erfahren.
Die Studierenden experimentierten mit den Bedingungen der vorgefundenen Ausstellungssituation,
also mit dem Raum und befragten Werke und Institutionsstrukturen
mit künstlerischen Methoden
Darf man das, sich aus- und umziehen im Museum?
Oder wie beeinflusst der Bademantel die Wahrnehmung? Wie verändert sich das Verhalten der Aufsicht?
Und viele andere fragen mehr. Und ich freue mich insbesondere,
dass hier eine der Protagonistinnen in diesem Raum ist.
Also es wäre, ist ansprechbar, hat mitgemacht und kann
über Mofus sicher später auch noch ganz viel Auskunft geben.
Mit dem Einsatz des Körpers, es tut mir leid,
es ist ein schlechtes Bild, haben die Studierenden zu der
Einrichtung zu einzelnen Kunstwerken in ganz wortwörtlichem Sinne einer Haltung entwickelt.
Das war jetzt in einem anderen Projekt, in Siegen,
nicht auf ein Zeiten überdauerndes Ergebnis, wurde hingearbeitet,
oder auf ein Wissenspaket, sondern schnell und unauffäntig interveniert und kommentiert.
Das ist ein Bild,
wo die Gruppe der Frauen mit High Heels über den Boden
des Mönchengladbacher Museums gerannt ist und dem Haus ganz andere Töne in Töne entlockt hat und versucht hat,
also die Materialien der Architektur daraufhin zu untersuchen, ob sie,
ob sie klingen.
Entschuldigung, manchmal geht das nicht. Warrinka Schreuers hat eine Athletic Arct Perception,
eine Art Trimmlich-Weg durch das Museum entwickelt und hat sich also
körperlich jeweils in Bezug gesetzt, zu unterschiedlichen Werken.
Das Museum wird als Ort der Kunstvermittlung, wird als Aktionsraum genutzt.
Sie performen, produzieren Texte, spielen in aktiver,
das ist ein bisschen arg abgesoffen, finde ich,
kann man da was machen,
weil bei mir kommt das ganz gut
Ja. Da kannst du Doku machen. Richtig. Nee,
irgendwie am Beamer vielleicht ein bisschen das Bildheller machen oder?
Oder sehen Sie das besser als ich? Ja,
man sieht das so schlecht, dass also ein rotes Bild und.
Ja, also produzieren Texte spielen in aktiver Auseinandersetzung mit den
vorgefundenen Raum und Werkkonzeptionen.
Hier Schlafsäcke. Genau,
schlafen im Museum
Für diese Misterpräsentation nun wurden aus den Erfahrungen MUFO-Kids entwickelt,
Handlungsanweisungen, Tools für die imaginären Besucher der Ausstellungshäuser,
also die Prozesse,
die dort noch ganz experimentell und offen waren,
wurden übertragen und man konnte hier bei der Aktion SleepIn mit einem Schlafsack ausgestattet,
sich ins Museum begeben oder bei dem Hier versuchen,
die verschiedenen Gerüche der Exponate zu untersuchen,
Swer hat eine Titelung,
eine Titelung entwickelt man kann also neue Titel den Werken geben oder hier sich den eigenen White Tube basteln oder Katharina Stockmann hat hier ebenfalls einen Vortrag über die Gerüche gehalten.
Die Studierenden haben erfahren,
dass sich die institutionellen Settings nicht nur analysieren und kritisieren,
nämlich als kritisch agierende Praxis einer Museumspädagogik oder Kunstvermittlung,
sondern auch durch das eigene Handeln verschieben lassen.
Ein geschärftes Bewusstsein über Zusammenhänge von Kunst, Kontext und Publikum wurde entwickelt.
Weshalb wir uns das aber auch hier ansehen können Liegt auch daran,
dass der Anspruch war, in dieser Praxis ein Bild zu erzeugen.
Also nicht nur zu sprechen oder irgendetwas herum zu kaspern,
irgendwelche beliebigen Aktionen zu machen im Museum,
sondern dass die eben an sich auch eine Bildkraft entwickeln.
Ziel war die Kunst, die Elemente eines Raumes und die
kommentierende Geste in eine spannende Wechselwirkung zu bringen.
Ja, nun zum zweiten Projekt mit diesem Titel
Drei- und Fährzeichen in einer Klammer
Gerne. Sie werden gleich sehen, Oppella,
das habe ich hier gar nichts auf dem Kopf.
Ich habe hier gar nichts auf dem Bildschirm,
eigenartigerweise muss ich mich hier orientieren. Genau, und wir
schauen uns jetzt einfach mal einen Film zu diesem Projekt an.
Wo, was denn das? Nee, Entschuldigung,
was ist denn hier jetzt los?
Ah ja. Okay. Und lassen den Film sprechen und
nicht mich
Weil natürlich, was ist hier los? Entschuldigung. Jetzt
ist es anders. Es kommt ja beworben. Es werden
Sieg in Fließen. Manchmal sieht man die nicht fließen,
damit es so schön mit dem Fahrrad kann vorbeikommen.
Aber jetzt schreibt halt still im Titel Fließen.
Das bedeutet, das ist ja an die Fluss.
Aufwärts sich reingelassen.
Strom aufwärts
So. Das war also ein Projekt, wo wir
auf dem Flussinnerste gearbeitet haben, der durch Jildesheim fließt.
Tschüss. Kann ich den Sound so ein bisschen runternehmen und
dabei sprechen? Ja, ein bisschen leiser.
Es waren ganz einfache Fragestellungen, die das Projekt antrieben.
Wie kann man sich auf der Innerste fort bewegen?
Wie verhält man sich in und zu der Landschaft?
Wie begegnet man der Idylle des Auwaldes?
Profession und Verhältnis zu Landschaftsprozessen
Er ist größer als seine Trauerarbeiter, größer als an Drehstäffel.
Kommen wir zu dir, verliert er sich am Wasser dazu?
Nein, es ist mehr prüfenwechselig, wenn es bekannt ist,
und dann in den Blick hineinführen.
Er lädt das Mann, das typisch intensive Darstellung gepflückt ist,
und der Landschaftsschatztüre in der Nacht. Sich treiben lassen,
aufwärmt, sich reingelassen. Strom aufwärmt. Genau,
was kann man von der Stadt Hildesheim von Fluss aus erfahren?
Wie verändert sich die Wahrnehmung von Text, Texten,
wenn sie auf vorbeitziehenden Plattformen vorgetragen werden?
Wie werden wir auf dem Fluss wahrgenommen und erscheinen damit als
Kunst im öffentlichen Raum. Was bedeutet es für eine Ausstellung,
wenn Sie prozessual angelegt ist und als eine Art Umzug am Betrachter vorbeizieht?
Die Fragen zeigen schon, es ging um temporäre Raumerkundung und Traumverwandlung.
Die Aktion ging also einen ganzen Tag und das ist ja
wirklich kaum zu erkennen und während also verschiedene Gruppen auf dem Wasser sich vorwärts bewegten mit den unterschiedlichsten Gefährten wurde das Publikum
Unsere Akteure, die ebenfalls am Ufer gewirkt haben,
vermischten sich, haben die ganze Gruppe begleitet, haben mitgeholfen,
also de facto, Besucher wurden auch zu Akteuren, Verbündeten,
halfen aus, wenn mal jemand ins Wasser gefallen ist.
Und man verbrachte im Grunde einen ganzen Tag miteinander und ließ sich
, ließ sich führen und entdeckte.
Das Buch ist vor der Kunde, wo ich den Kopf lüfte,
in die Instagram-Boote stehe.
Das ist natürlich das Schöne
Und dich hoffentlich am besten im Hintergrund.
Super, tschüss. Der Mann und sein Boot,
drohen und möglichst gut zu versinken.
Ich bin die Liebe. Ich muss auch noch
was dazu sagen.
Im 4. Februar
Tschüss. Wer gehört dazu? Wer gehört nicht dazu?
Das war auch nicht klar, weil doch immer wieder
auch hier am Rande Dinge passierten.
Meine Weltfläche ist schwarz. Jetzt muss ich hier so versuchen
. Entschuldigung. Warte mal hier auf
Ja, die Großlage muss hängen zu kurz,
dann die Vergleiche. Und mit dem Leben der Beuten,
darauf einbauen, worauf ein Haus ist.
Eine Gemüserei. Was braucht die? Ein Baum,
ein Hauer zum Beuten, der Mädchen zu schreiben,
zu schweigen und wen, den Freund, die Schmerzen.
Spiegelt sich auf der Tür.
Gott, er hat Steinbuchen heraus. Sie gibt es
da gleich
Und dann hatten wir... Sehr interessant. Habt ihr den
ersten... Habt ihr mit mir... Also ich könnte das
jetzt noch unendlich weitermachen. Das sind also sehr, sehr,
sehr, sehr vieles an diesem Tag passiert von ganz Stillen,
Performances, von eine Studentin hat sich abgeseilt.
Andere haben immer wieder Wortreiträge eingespeist. Dann hat sich das
vermischt mit Leuten, die den Fuss auch für ihre Kanufahrtfahrt nutzten.
Dann gab es einen Rast, die in besonderer Form
gestaltet wurde
Ja. Und, und, und. Genau. Also,
das als, das als zweites Beispiel,
wo meines Erachtens auch nochmal deutlich wird,
wie in der Arbeit der Körper mit dem Körper gearbeitet wird,
wie es darauf ankommt, was da eben passiert in der Zeit,
wie die Orientierung am Raum wesentlich ist.
Diese Form konnten sich nur und haben sich
in Reaktionen auf die spezifische Örtlichkeit entwickelt
Aber ist jetzt mein Stift, die,
das nächste Projekt, das ich Ihnen kurz vorstellen möchte,
ist das Projekt Landarbeiten und Sieben Kunstprojekt für und mit
einem Ort in oder für einen Ort hieß es ursprünglich,
in Heinde, in Niedersachsen.
Ich habe das deshalb ausgewählt,
weil hier noch viel stärker als in den anderen zwei Beispielen,
die Arbeit mit den Menschen vor Ort am sozialen Raum,
konkret dem kleinen Dörfchen Heinde in Niedersachsen
im Mittelpunkt stand
Es gibt eine Publikation dazu,
wo sie dann auch nochmal alles nachlesen können zu diesem Projekt.
Es ist viel zu umfangreich, um jetzt detailliert darauf einzugehen.
Also auch wenn ich nicht auf die einzelnen Werke eingehe,
möchte ich dir noch die Arbeit an diesem sozialen Raum kurz ausführen.
Künstler waren also vor Ort, das Gemeinwesen,
der Sozialraum war Fokus und Material.
Der Sozialraum wurde geknetet. Das Dorf war nicht vor allem
Bühne für ein Projekt,
dessen Objekte
betrachtet werden sollen
Und können, Kunst sollte also kein UFO bleiben,
das irgendwo in der Pampa landet und sich dann wundert,
dass es nicht verstanden wird,
sondern der Dorfraum als Ganze mit seinen Menschen war,
der künstlerische Raum, den es zu bearbeiten galt.
Landebeit war der Versuch, eine gelungene Partizipation zu realisieren.
Hier im Hintergrund sehen Sie die Latz, Kommunikation war wichtig,
deshalb muss das auch eine Zeitung in dem Ort geben,
die kontinuierlich über die Geschehnisse 2007 berichtet hat.
Landarbeit War der Versuch eine gelungene Partizipation zu realisieren,
habe ich schon gesagt,
das soziale und kulturelle Bezugssystem am jeweiligen Ort stark in die
Planung und Realisierung der Künstlerischen Arbeit mit einzubeziehen und eine hohe Qualität der Mitwirkung zu erreichen.
Das Konzept wurde in Kooperation mit anderen Kollegen, mit Studierenden,
Bewohnern und Künstlern realisiert. Das Zustandekommen einer temporären Gemeinschaft war
die große Herausforderung und wichtigste Voraussetzung zum Gelingen des Projektes.
Wir erarbeiteten uns, ein atmosphärisches Plateau durch ganz viel Begegnung sei es im Feuerwehrhaus,
sei es in der Kirche, sei es auf der Straße.
Und dieses Plateau macht, um die Tatsache,
dass wir dir das Dorf als Gastgeber sehr ernst genommen haben,
hat im Grunde dann Eingriffe in den Raum dort,
auch in den konkreten Landschaftsraum dort ermöglicht.
Vorhin bezeichnete ich Kunstvermittlung als bildendes Tun, als kollaboratives,
als kollaborativen, plastischen Prozess des Formens und Schleifens.
Darüber hinaus hat jede Gestaltung auch eine gesellschaftliche Wirkung,
ist soziale Plastik,
kreative Mitgestaltung
An der Gesellschaft. Und bei Landarbeit war es nun eben so,
dass durch das gemeinschaftliche soziale Handeln über Monate eine Form von sozialer Plastik entstanden waren,
die auf die Entwicklung von kreativen Potenzialen innerhalb verschiedener persönlicher und spezifisch regionaler Möglichkeiten setzte.
Das wurde dann am Schluss auch mit einem großen Fest gefeiert, denn alle haben gespürt, da ist was anders als davor. Da hat Plastikform gewonnen,
da ist der Projekttraum verändert und zwar sichtbar,
indem es zum Beispiel jetzt ein Projekt bekommen gibt,
was jetzt noch weiter genutzt wird als Dorfgemeinschaftshaus oder Kunstverein,
aber eben auch unsichtbar und darauf kommt es mir an,
dass Interesse einer Kunst geweckt worden ist oder sich der Einzelne sagte,
Mensch, so verrückte Leute,
das war doch irgendwie toll im Dorf oder, oder,
oder, oder, da gibt es tausend Geschichten zu erzählen.
Also mein Interesse galt hier plastischen Prozessen,
die zwischen und mit den Dingen und Menschen geschehen und geschahen,
also eine sehr vergängliche Angelegenheit.
Hier könnt ihr noch ein bisschen mehr darüber lesen.
Also hier nochmal Raumarbeit Arbeit mit Menschen, die einen Raum
bilden und durchaus verändern. Man kann hier auch arbeiten,
auch wenn man jetzt erst mal gar nichts sieht.
Aber es tut sich was durch noplastische Tätigkeit. Gut,
was war nun das Verbindende an den drei Beispielen?
Zunächst sicher ihre Ortsspezifität. Das heißt,
ich bin bewusst mit den Räumen oder sie,
Mann, sollte bewusst mit den Räumen und Umräumen,
es geht noch weiter mit Bildern.
Mit den Räumen und Umräumen
der Vermittlungssituation umgehen
Ortsspezifisches Arbeiten. Dazu gehört, dass man natürlich erst
mal guckt, wo bin ich denn überhaupt?
Was gibt der Ort her? Was ist da los?
Befinde ich mich im Museum an einem Fluss in einem niedersächsischen Dorf?
Wie ist das Setting? Also was ist da schon da?
Mit was kann ich arbeiten? Welche Informationen trägt der jeweilige Raum,
mit dem ich arbeiten kann? Und da schaue ich mir
zuerst den Behälterraum an, möglicherweise Architektur, Atmosphäre, Geschichte.
Aber auch die Körper derjenigen, die sich in dem Raum aufhalten,
Übertragen auf die Schule das Verhältnis Lehren der Körper zu,
Körper der Schüler ist ein Thema oder auch Rituale.
Also auf jeden Fall muss ich mir das sehr genau erst
mal angucken, eben sei in verschiedenen Raumebenen.
Und da ist eben alles bemerkenswert, was sie an einem Ort befindet,
von der konkreten Raumtemperatur bis zu der Vorgeschichte eines Raumes.
Der nächste Schritt ist dann Raum erzeugen. Was kann ich
hier machen? Kann ich hier überhaupt was machen?
Macht es Sinn, hier was zu machen? Ich bin
mitunter aus diesem Grund auch wieder aus der Schule herausgegangen,
weil ich irgendwann keinen Sinn mehr sah
Sie sehen das nicht so. Also kann man hier noch wirklich Kunstvermittlung,
Kunstvermittlung sinnvoll betreiben, wo gibt es Erstarrungen,
festgefahrene Sichtweisen, Verborgenes, was man hervorholen kann.
Was möchte ich eigentlich verändern? Also eine Situation ist wie eine Form,
wie in der klassischen Bildhauerei kann da weggenommen werden,
geschliffen, chaotisiert werden oder verschiedenartige Feeling mit eingespielt werden.
Wenn ich nun die Veränderungsmöglichkeiten von Raum innerhalb der Vermittlungssituation nutze und damit spiele,
verschiebt sich der Blick von zu lernen Stoffen hin zur Planung und Strukturierung von Situationen mit Erkenntnispotenzialen,
ein Ereignisfeld entsteht.
Also ich sage nochmal, Planung und Strukturierung von Situationen mit Erkenntnispotenzial.
Das hat wieder ganz viel mit dem Prozess zu tun.
Das heißt, ich fange nicht da an, wo man alles schon weiß.
Das ist so und dann wird das hier so rüber gehebt,
ja, sondern ich baue den Raum in weitesten Sinne so,
dass ich Prozesse ereignen können.
In meiner Praxis dann eben auch Prozesse,
die auch, ja,
Spaß machen
Ja. Ein Ereignisfeld entsteht. Wie kann das nun ausschauen?
In einem Seminar war das zum Beispiel die Leitaufgabe, um ihnen das einfach mal zu zeigen,
wie das dann auch ganz konkret in der Lehre aussehen kann.
In Mahlzeit war die Aufgabe, gestaltet Situationen, die mit Nahrungsmittel zu tun haben.
Das hatte dann ganz unterschiedliche Formen gewonnen von der Toast-Skulptur,
die sich dann während des Abends langsam immer verwandelte von der Weihnachtsfeier im McDonald,
wo die Örtlichkeit der Rahmen dann der Situation das Besondere gab oder hier,
wo studierende eben über Licht in einem ganz christlichen Raum versucht haben,
eine Essenssituation so mit einem Feuer in der Mitte zu gestalten oder eine sehr technisch analytische Geschichte inszeniert haben oder auch eine sehr orchestische,
womit ganz viel Nutella gearbeitet worden ist.
Was macht eine Situation aus? Was sind die Koordinaten und
wie kann man sie verrücken? Wie erzeugt man Atmosphäre?
Gelernt wurde Inszenierungskompetenz, sodass man um die Bedeutung und die
Verbindlichkeit situativer Bedingungen einer Künstlerin oder Kunst vermittelten praxisweiss.
Ein anderer Aspekt, der natürlich auch schon bei Mahlzeit,
vielleicht haben Sie das über die Bilder gemerkt,
auch sehr stark mit einer Rolle spielte, ging um die Atmosphäre.
Atmosphäre ist eben auch ein Aspekt der Arbeit mit Raum,
die ebenfalls, die man ebenfalls erzeugen kann oder verdichten kann.
Ich habe öfters schon mal von einem Plateau gesprochen,
weil ich mir sicher bin,
dass ohne dieses Plateau man einfach nicht sicher steht.
Beim Mesh-Center lässt sich das sehr gut zeigen.
Das war nämlich ein kurzprägigten öffentlichen Raum mit Studenten
Und neben den Arbeiten, die ja schon Herausforderungen genug waren,
also in dem Außenraum von Hildesheim, entsprechend Dinge zu tun,
wurde eben in dem ehemaligen Jobcenter auch zusammen gewohnt.
Also gelebt, gegessen und im oberen Geschoss, wann die Schlafsäcke ausgerollt. Und über diese Atmosphäre,
in der man sich kennenlernen konnte, wurden neue Kooperationen möglich,
wurden ganz andere Interventionen auch im Stackraum möglich durch dieses,
dadurch, dass das Binnenklima gut warten. Ja,
und man im Grunde dann in einen Prozess kam und nicht,
man kam an,
man muss jetzt was machen mit dem öffentlichen Raum und dann guckt man sich das an und so weiter,
ja, sondern eine Dynamik ist entstanden,
unter anderem eben auch dadurch, dass der Sozialraum geknetet wurde,
um jetzt wieder diese Vokabel zu verwenden.
Das heißt natürlich für die Schule,
dass es keine übertragbaren Stundenabläufe geben kann, das ist klar.
Und auch, dass jedes Forschungsergebnis im Grunde seinen eigenen,
seinen eigenen Kontext hat,
dass es
auch den ist
Das Kontext, der ist auch bedingt. Der zweite Punkt,
die Prozessorientierung, die Forschungsbewegung in der ästhetischen Erfahrung zulassen. Heißt,
und das habe ich jetzt auch schon öfters gesagt,
dass die Teilnehmerinnen involviert sind, in ein Unterrichtsgeschehen,
sie müssen eintauchen, sich bewegen, aufsuchen, untersuchen,
als Voraussetzung, um ästhetisch zu handeln.
Die Bilder stammen aus einem, ich meine, Basiskursmalerei,
ich bin mir gar nicht mehr so ganz sicher.
Auf jeden Fall ging es mir beim Entwickeln der Aufnahme darum,
grundsätzliches zu fragen der Malerei zu klären.
Auch hier sind, sieht man, in den Bildern Malerei
ereignet sich. Also in der Strukturierung von Situationen,
in der Farbe lebendig wird und sich im Raum platzieren muss,
wird der Begriff von Malerei möglicherweise erweitert,
die die Studierenden hatten und sie betrieben ganz praktischen Formen der Raumuntersuchung.
Wie sehen wir aus? Was ist das für eine Farbe
? Warum stellen wir uns ins Grün? Was passiert,
wenn wir uns ins Geld stellen?
Wie kann ich also Farbe im Raum
Bewegen oder auch im Innenraum oder dann auch weitergeführt in anderen Situationen.
Also das vorrangige Ziel ist nicht die Herstellung künstlerischer Gegenstände bei
diesen Übungen oder die Klärung von Gegenstände,
sondern das Erfahren und Erforschen von Kunst als Ausdruck und Denkform über die Planung,
Durchführung und Reflexion performativer und szenischer Prozesse.
Jede Gruppe geht dabei in einen anderen Weg,
Setzungen werden im Prozess gemacht, entlang den Interessenmöglichkeiten und der Beweglichkeit einer Gruppe.
Sie erfordern Präsenz zunächst von Lernenden, für den Moment anwesend zu sein,
sich auf die Spielregeln der gestalteten Situation einzulassen, sich aufzuhalten.
Ich bringe Studierende dazu, sich in die Situation zu stellen und
den eigenen Leib als Material im Raum und in der künstlerischen Entwicklungsarbeit zu erfahren.
Deshalb ist Performativität natürlich auch ein wichtiger Begriff innerhalb meiner Lehre.
In den Aktionen sind die Studierenden persönlich involviert
Sie setzen Prozesse in Gang, die sie unmittelbar verantworten müssen.
Teil Gegenüber wird bearbeitet, keine sichere Distanz kann genommen werden.
Die unmittelbare Form der Auseinandersetzung mit einem Gegenstand von Interesse
führt zu einer Auseinandersetzung mit sich selbst und setzt einen Prozess
des Fragens und Hinterfragens in Gang.
Die Arbeit fordert heraus, persönliche Themen zu finden und Stellung
zu beziehen und das in ganz wortwörtlichem Sinne.
Die entwickelte Haltung wirkt dann auch in die Arbeit mit anderen
Medien hinein. Es ist ganz gut,
habe ich jetzt nicht extra gemacht,
aber das finde ich passt jetzt
sehr gut
Also man spürt,
dass es mit einem selber was zu tun hat und sei es auch nur in der Vorbereitung zu einem kunstwissenschaftlichen Seminar,
wo eben geturnt wurde,
weil wir später über den Körper in der Kunst der 90er gesprochen haben und ich dieses dann im Grunde die Vorlesung eingeleitet habe,
erst mal mit ein bisschen Gymnastik und Tee,
um einfach sich körperlich auf dieses Thema einzustimmen.
In der Kaserne, das ist nun das letzte Beispiel,
haben die Studierenden nicht nur den Ort genutzt,
eine alte Kasernin Hildesheim, sondern das Projekt,
bestand aus seiner Arbeit an einem Ort mit großer Reibung zur Kunst,
denn die Bundeswehren waren noch vor Ort stationiert.
Aus der Auseinandersetzung mit dem realen Ort,
einfach mit dieser großen Panzerhalle, in der wir gearbeitet haben,
entstand Kunst mit in Reaktion auf und in Auseinandersetzung mit der Bundeswehr.
Eigentlich für Künstler ein No-Go-Thema. Mit Bundeswehr hat man noch nichts
zu tun. Aber gerade deshalb fand ich es spannend.
Wir haben Kontakt aufgenommen, die Botschaften, die internen Strukturen kennengelernt,
auch im persönlichen Gespräch. Es galt zu reagieren,
diesen besonderen Teil der Gesellschaft auf die Konditionierungen in dieser Männergesellschaft.
Geh bis zur anderen Umgebung mit ihren eigenen Ritualen, führte zur Performances,
die den Körper des Einzelnen im Wechselspiel mit der Formation der Gruppe thematisierten.
Ortsspezifisch war auch, dass ich noch einen Künstler eingeladen hatte,
der früher auch beim Militär war und wer auch nochmal aus
ganz anderer Perspektive beides verbinden, zu verbinden wusste.
Die Beispiele, ich mache hier mal ganz schnell, haben gezeigt,
wie die Gestaltung einer Situation Die Arbeit am Raum und an seiner Atmosphäre,
ein Formprozess ist, den man als Kunstvermittlerin bewusst steuern kneten kann.
Und indem man auch in seiner Körperlichkeit angefragt ist.
Und sie haben vielleicht auch gezeigt, wie performative Praktiken,
die gesetzte Handlung, der bewusste Umgang mit Zeit und mit Rhythmus,
Zugang zu einem erweiterten Bildverständnis und der Prozessualität künstlerischer Praxis eröffnen können.
Inhaltliche Bezugspunkte sind die Kunst und der Kontext.
Also Konzeption und Formate der Kunstvermittlung sollten sich immer
an beiden orientieren
Das heißt, ein Kunstunterricht lässt Themen und Arbeitsweisen von aktueller Kunst
bereits in der Unterrichtsmethode stattfinden. Die Voraussetzungen sind natürlich,
man braucht dazu ein Verständnis von Aktionen, von dem,
was ein Bild im Raum ist, Inszenierungskompetenz, Kommunikationsbereitschaften,
Offenheit gegenüber ungewöhnlichen Dingen und Experimenten.
Aber das lernen sie ja alles hier. Ja, gut,
mein Wortbeitrag ist nun zu Ende. Bevor wir in die Diskussion übergehen,
Und wir vielleicht auch eine kleine Pause machen,
Licht anmachen, bitte, würde ich sie bitten.
Einfach das, was sie geknetet haben,
hier auf dem Tisch wieder zusammenzuführen. Das heißt,
nicht ineinander, nicht kaputt zu machen, sondern das,
was entstanden ist, einfach zu nehmen und versuchen,
es mit dem, was andere geknetet haben,
in Beziehung zu bringen.
Das müsste was sein, was relativ schnell geht und auch
mit Lüften und Umbau und so weiter ein bisschen verklickt ist.
Und dann gucken wir uns das dann in eine Diskussion
mal an und nehmen das zum Ausgangspunkt zu sprechen.
Ja? Okay, dann Licht an,
Fenster auf und frische Luft in die Pöpfe